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_EXPOSITIVA / PABELLONES

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THE FLOATING PIERS, 2016. CHRISTO Y JEANNE-CLAUDE


0. Datos identificativos:

Nombre del proyecto: The Floating Piers.

Año del proyecto: 2016.

Autores: Christo y Jeanne-Claude.

Localización: Lago Iseo, Italia.

Otros colaboradores: Vladimir Yavachev (director de operaciones), Wolfgang Volz (gerente de proyecto), Josy Kraft (comisario), y Germano Celan (director del proyecto).

Programa: Pasarela peatonal (muelle flotante).

Estado del proyecto: Desmantelado.

  1. Descripción del proyecto:

La intervención se encuentra en el Lago Iseo, Italia. Se sitúa al norte del país, próximo a las ciudades de Brescia y Bérgamo. En el centro del lago se encuentra la Isla de Monte Isola. A pesar de ser una de las zonas más industrializadas, cuenta con un paraje de gran riqueza natural y ecológica.

1. Vista aerea del proyecto

1. Visión aérea del proyecto.

The Floating Piers es la intervención de Christo y Jeanne-Claude, que se desarrolló durante 16 días, desde el 18 de Junio hasta el 3 de Julio de 2016.

Se trata de una pasarela peatonal o muelle flotante, que conecta Sulzano, Monte Isola con la Isla de San Paolo, situada en el centro del lago. Esta pasarela cubierta por una tela amarilla penetra en las calles cercanas a la costa, dando la sensación de que las mismas calles colonizan el lago y permitiendo el sueño de caminar sobre el agua.

2. Croquis donde se puede apreciar el recorrido de la pasarela desde una de las localidades, y en el margen derecho, en planta.

3. Croquis en el que se puede apreciar el cálculo de los ángulos de la pasarela.

4. Croquis de unión de ambas localidades.

Christo y Jeanne-Claude intentan perseguir la idea de continuar las calles de ambas localidades sobre el agua. Para ello, se cubren tanto la totalidad de las calles más próximas a la costa como la pasarela flotante con una tela amarilla, cuya finalidad es dar uniformidad al proyecto, pareciendo que la calle se adentra en el lago.

El proyecto consigue crear un paseo por el agua, regalando a los visitantes diferentes puntos de vista y perspectivas, que solo podrían conseguirse desde una embarcación.

5. Imagen aérea donde se observa el proyecto, y cómo las calles más próximas al lago se cubren con la misma tela que la pasarela.

6. Imagen en la que se puede apreciar el paseo marítimo cubierto.

7. Calle cubierta por la tela amarilla.

2. Análisis de su arquitectura:

The Floating Piers tiene una longitud de 3 kilómetros, 16 metros de ancho y 0,35 metros de altura.

Para su construcción fueron necesarios 220.000 cubos de polietileno de alta densidad, cubiertos por 100.000 m2 de tela amarilla brillante que se movía al compás de las olas.

Es interesante conocer su proceso de construcción para entender cómo lograron su flotabilidad y continuidad por la superficie del lago Iseo. Los cubos de polietileno se realizaron en una fábrica de Montecolino, donde se unían en fragmentos de 100 metros de largo y se almacenaban en el lago. Estas piezas se unían posteriormente a unos pesos muertos situados en las profundidades del lago, mediante una cuerda hecha de polietileno de alto peso molecular (UHMWPE), cubierto con una capa protectora de poliéster con una carga de rotura de 20 toneladas métricas. Debajo de los cubos se instalaban posteriormente también unos marcos metálicos.

Antes de la colocación de la tela amarilla que unificaría la pasarela, se instalaron unos fieltros sobre los cubos.

8.  Imagen en el que se muestra el proceso de fabricación de los cubos de polietileno.

9. Unión en fragmentos de 100 de metros de longitud de los cubos.

10. Almacenamiento de los cubos en el agua, previa colocación.

11. Anclaje de pesos muertos al fondo del lago.

12. Imagen en el que se muestran operarios colocando placas de sujeción  debajo de los cubos.

13. Transporte de los materiales de construcción.

14. Una vez colocados los cubos, se cubren por una tela amarilla.

15. Las calles próximas al lago también se cubren con la finalidad de unificar el proyecto.

3. Opinión crítica de la obra:

The Floating Piers es un proyecto donde Christo y Jeanne-Claude han conseguido revitalizar una zona con mucho potencial, realizando una estructura que integra el contexto urbano y paisajístico con el esparcimiento, el paseo, el recorrido y el ocio. Para ello, crean una estructura flotante no permanente, muy liviana, donde se cuida la elección de los materiales, para que su proceso de fabricación y posterior desmantelamiento tengan un mínimo impacto en el medio. Todo esto lo hacen sin perder su característico sello, la tela, que hace tan reconocibles sus proyectos.

Tras el análisis del proyecto, observamos cómo a partir de la repetición de un simple cubo de polietileno, podemos generar una nueva infraestructura peatonal flotante, sin la generación de superestructuras y de producir grandes cambios en el lago y localidades costeras.

16. Imagen en el que se muestra personas paseando al atardecer.

17. Imagen final del proyecto.

4. Bibliografía:

BAAL-TESHUVA, Jacob. Christo and Jeanne-Claude. Koln: Benedikt Taschen, 2001.

CELANT, Germano. Christo and Jeanne-Claude Water Projects. Museo di Santa Giulia, Brescia: Silvane Editoriale, 2016.

CHRISTO, Jeanne-Claude. The Floating Piers. Lake Iseo, Italy, 2014-2016. Berlín: Taschen, 2016.

The Floating Piers: Cómo se construyó la última gran obra de Christo y Jeanne-Claude [en línea]. Plataforma Arquitectura. 18 Julio 2016 [consulta: 13 octubre 2017]. Disponible en: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/789751/the-floating-piers-como-se-construyo-la-ultima-gran-obra-de-christo-y-jeanne-claude

The Floating Piers. Christo et Jeanne-Claude [en línea] [consulta: 13 octubre 2017]. Disponible en: http://christojeanneclaude.net/projects/the-floating-piers

`Floating Piers´ de Christo te permitirá caminar sobre el agua [en línea]. En: Plataforma Arquitectura. 6 Mayo 2015 [consulta: 14 octubre 2017]. Disponible en: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/766494/floating-piers-de-christo-te-permitira-caminar-sobre-el-agua

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SERPENTINE GALLERY PAVILION, 2003. OSCAR NIEMEYER


0. Datos identificativos:

Nombre del proyecto: Serpentine Gallery Pavilion.

Año del proyecto: 2003.

Año de la obra: 2003.

Arquitecto: Oscar Niemeyer.

Localización: Hyde Park, Londres (Reino Unido).

Otros colaboradores: José Carlos Süssekind.

Programa: Galería temporal de arte contemporáneo.

Cliente: Consejo de las Artes de Gran Bretaña.

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1. Bocetos de Oscar Niemeyer.

1. Descripción del proyecto:

Cada año y desde el 2000, el Consejo de las Artes de Gran Bretaña organiza la Serpentine Gallery Pavilion, una galería destinada al arte moderno y contemporáneo. Para ello, le solicita el proyecto de un pabellón efímero a un arquitecto de renombre cada año. En 2003 se lo encargaron al prolífico y revolucionario Oscar Niemeyer, siguiendo a Toyo Ito en 2002, Daniel Libeskind en 2001 y a Zaha Hadid en 2000, primer año de su organización. Son los Jardines de Kensington en Hyde Park, Londres, los que reciben cada verano a estos pabellones efímeros.

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2. Emplazamiento del pabellón en Hyde Park.

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3. Plano de situación.

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4. Fotografía del exterior.

El pabellón de Oscar Niemeyer se organiza en dos plantas, un semisótano y una planta diáfana sobre este; se trata de una estructura de acero fácil de desmontar y unir, susceptible de ser reubicada.

Levantado del suelo, es accesible mediante una larga rampa roja que cruza el parque; la cubierta, revestida de aluminio blanco, está compuesta por dos pronunciadas pendientes y una parte central curva, hace que el pabellón parezca una cortina de luz con formas suaves.

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5. Fotografía del exterior.

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6. Fotografía del exterior.

La planta inferior, de 70 m2, alberga un auditorio con vistas al parque. En cambio, la planta superior es un lugar que se abre al exterior mediante grandes ventanales. Este espacio aloja una cafetería y una exposición que muestra alguna de las obras de Niemeyer a través de fotografías y videos. La particularidad de este pabellón es que la planta semisótano eleva la planta superior aproximadamente un metro y medio, lo que da sensación de ligereza al parecer que “flota”.

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7. Planta sótano.

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8. Planta principal.

9. Alzados.

Oscar Niemeyer define su obra como “diferente, libre y audaz”. Al serle encargado el proyecto, el arquitecto se encontraba dudoso y no estaba convencido de aceptarlo porque,  tal y como él mismo dijo: “Yo sólo uso hormigón y sólo diseño construcciones permanentes”. Sin embargo, algo le hizo cambiar de opinión y acabó aceptándolo.

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10. Imagen exterior.

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11. Imagen exterior.

Proyecto tan diferente a lo que estaba acostumbrado a desarrollar, con una estructura de acero y aluminio que, sin embargo, conserva algunos rasgos representativos de su arquitectura, como la forma asimétrica del pabellón, la línea curva de la cubierta que da cobijo a sus visitantes y su ligereza. El nivel principal es sencillo –que no simple- y elegante.

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12. Imagen de la cafetería.

2. Análisis de su arquitectura:

El pabellón está construido con hormigón, acero y vidrio, cubriendo un área de 250 m2. Como ya se ha comentado, se estructura en dos niveles, la parte inferior –el semisótano-, conforma una caja de hormigón, plasmando el empleo habitual del arquitecto de este material como principal en sus proyectos o, quizá, podría ser considerada como una alusión a un trabajo pensado para perdurar en el tiempo. Por otro lado, el nivel superior –elevado un metro y medio del suelo- se construye  con una estructura de acero con cuatro pilares.

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13. Imagen del proceso de construcción del pabellón.

Las vigas que aparecen en la cubierta inclinada, conectadas por una viga central curva, soportan los extremos de la plataforma elevada y trabajan para compensar las fuerzas producidas por los voladizos opuestos. Los detalles de la gran pared de vidrio, las balaustradas y la ventana oval abierta al parque fueron diseñados de tal forma que no hubiera ningún elemento estructural visible.

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14. Estructura de acero del pabellón.

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15. Imagen del interior del pabellón.

3. Opinión crítica del proyecto:

El pabellón se conformó siguiendo uno de los principios de Niemeyer en el que cada proyecto debe ser capaz de ser resumido en un boceto simple y, una vez terminada la estructura, debe responder a la arquitectura planteada en dicho esbozo.

Fijándonos en la materialidad de la obra, apreciamos como el hormigón contrasta con la estructura de acero, que podría hacer referencia a la fugacidad del pabellón. Los pabellones concebidos como “efímeros” se han acabado convirtiendo en algo con cierto carácter de perdurabilidad en los últimos años. El pabellón Serpentine, sin embargo, es casi apacible, apropiado para el entorno salvaje y relajado de un parque de Londres.

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16. Imagen del exterior.

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17. Imagen del exterior.

4. Bibliografía:

BOSSI, Laura. Una vela nel parco. En: Domus. 2003, nº 862, pp. 26-27. ISSN 0012-5537.

Oscar Niemeyer: Serpentine Gallery Pavilion, Kendington Gardens, London, 2003. En: Lotus International. 2004, nº 22, pp. 58-59. ISSN 1124-9064.

Oscar Niemeyer: Serpentine Gallery Pavilion 2003, London, UK. En: A+U: architecture and urbanism. 2003, nº 9396, pp. 70-77. ISSN 0389-9169.

Oscar Niemeyer: Serpentine Gallery Pavilion 2003, London, UK. En: GA document. 2003, nº 75, pp. 102-107. ISSN 0389-0066.

Pavilion Serpentine, Hyde Park, Londres: Oscar Niemeyer. En: Architecture d’aujourd’hui. 2003, nº 348, pp. 36,38. ISSN 0003-8695.

 

 

ECOPÔLE / Duncan Lewis, Veniles 2012


0. Información del proyecto

 

Nombre del proyecto: ZAE Ecopôle

Año de construcción: 2012

Año de diseño: 2012

Arquitecto: Duncan Lewis Scape Architecture

Diseño: Duncan Lewis

Colaboradores: Terrell (estructura), Techinsphère (lago artifical) y Avec+paysage (paisajismo)

Situación: Vélines, Dordogne, 24

Programa: Centro de negocios

Superficie parcela: 5ha

Superficie construida: 1200 m2

Cliente: Communauté de Communes de Montaigne Montravel et Gurson.

Estado del proyecto: Entregado (2014)

 

  1. Descripción del proyecto.

Desde su origen, el proyecto de la Ecopôle se imagina como algo atípico, partiendo de estudios documentados de los cuidados ambientales como algo propio en el carácter de la zona, se quiere llevar a cabo la optimización de las actividades que la zona puede ofrecer en consonancia con el cuidado y respeto del medio ambiente mientras que esta zona, a su vez, puede convertirse en un  revulsivo económico donde las nuevas formas de enriquecimiento poblacional pueda unirse a la causa. Esta son las premisas bajo las que nace la necesidad de encargar el proyecto de la ZAE Ecopôle, Zona de Actividad Económica por sus siglas en francés.

Así, el presente proyecto que nos ocupa no quiere ni debe tratar nunca de un edifico, sino de un proyecto de cinco hectáreas donde el paisaje y el desarrollo de la arquitectura son inseparables, o al menos, esa es la idea con la que se concibe.

La situación de la parcela elegida se encuentra en una zona bien comunicada, cercana a la ciudad de Bordeaux, conectada al aeropuesto de Bergerac en cuarenta minutos  y a cinco de la estación de Veniles.

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La parcela en la que se encuentra, es un viñedo local donde la quiere crear la sede para un vivero de empresas con un carácter ecológico donde la conservación y el respeto por el medio ambiente tome un carácter protagonista en el día a día de las mismas. Así, en el edificio que finalmente se construye conocido como el Corazón de la Ecopôle, encontramos empresas dedicadas a la venta de velas ecológicas manuales o almacenes de energía renovable.

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Parcela del proyecto. Estado anterior a la intervención.

Con estas premisas en mente, se encarga el proyecto al estudio de arquitectura de Duncan Lewis, el cual, es conocido por la capacidad medioambiental de sus obras. No en balde, él mismo intenta incorporar la vegetación en todas ellas en un intento de fusión y mimetización con el entorno. Esto mismo lo trabaja tanto en el diseño de la parcela en general, donde trabaja con la alineación de los viñedos existentes, con en el lago artificial que se crea en la zona como en la envolvente verde que se dispone en el edificio final.

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Parcela del proyecto. Estado posterior a la intervención.

Dentro del proyecto, cada parcela se trata de una manera individualizada, pudiendo desarrollar proyectos dentro de un proyecto general, sin embargo, todo debe de sostener al conjunto final resultante.

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Planta de intervención.

Con todo esto, nos encontramos con un proyecto donde el impacto de la edificación o arquitectura está en consonancia con el medio en busca de la conservación de la biodiversidad local (flora y fauna), siendo prueba de ello, la integración del conjunto arquitectónico en los viñedos autóctonos de la zona, respetando  la tradicional alineación de los huertos existentes y adaptándose a ellos en forma y posición del edificio central con el fin de incentivar  la disposición de zonas verdes como apuesta de futuro.

No conocemos más acerca de aquello que sucede en el interior del edificio que compone el Corazón de la Ecopôle. Todo aquello que podemos ver es gracia a las imágenes colgadas en las redes sociales, gracias a las cuales, conocemos la existencia de un gran espacio interior donde se llevan a cabo actividades que promocionan la empresas allí instaladas como ferias de productos de cosméticas ecológicos o experiencias culinarias de aquellos productos allí crecidos y la presencia de pequeñas salas donde se educa en el cuidado medioambiental.

  1. Análisis arquitectónico.

Así pues, centrándonos en la arquitectura que supone el edifico final resultante, nos encontramos con una edificación de dos plantas con casi nueve metros de alto sustentada por  un bosque de pilares, extendiéndose en superficie en la dirección de las tramas de plantaciones existentes en busca de una fusión con la trama de viñedos existentes.

Estos pilares se basan en las estructuras dispuestas en los viñedos para ayudar a las vides al correcto crecimiento tal y como se muestra en la siguiente imagen:

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Estructura de apoyo al crecimiento de las vides

El cerramiento en planta baja y las particiones interiores se llevan a cabo con un revestimiento de metal y piezas acristalas traslúcidas con las que se quiere establecer un juego de materialidades monocromáticamente.

 Como se ha mencionado anteriormente, al arquitecto le gusta incorporar en sus obras la vegetación como un elemento más de la mismas, es por ello que la envolvente en el resto del edificio se lleva a cabo por muros cortinas que se encuentras protegidos por una segunda piel vegetal formada por enredaderas y plantas de diferentes tipos capaces de transformarse según la época del año en la que se encuentra.

Estos curiosos parasoles formados por vegetación, funcionan gracias a la creación de marcos conformados con perfilería metálica soldada en cuyo interior se disponen un cableado que ayude al correcto crecimiento y posicionamiento de la vegetación en ellos.

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Imagen de obra. Cerramiento metálico en planta baja y sistema de los parasoles vegetales.

Tal y como la posición del sol cambia a lo largo del día, las necesidades de iluminación también, por lo que se idea esta envolvente metálica como algo movible gracias a un sistema de manivelas propio, diseñado por el arquitecto, que permita “abrir” el edificio.

Otro detalle que demuestra la conciencia medioambiental del arquitecto y coadyuva  a la finalidad del proyecto de convertirse en un referente en el cuidado medioambiental en las nuevas formas de hacer negocios, es la integración de las energías renovables. Así, las placas fotovoltaicas dejan de convertirse en elementos superpuestos en cubierta para formar parte de la misma, convirtiendo esta en una captadora de luz capaz de iluminar el interior de la misma. Así mismo, el agua pluvial que la cubierta recoge, es reconducida para el regadío de la vegetación que compone la fachada, demostrando así  la mentalidad medioambiental bajo la que el edificio se encuentra concebido.

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Maqueta de proyectos. Incorporación de sistema de captación solar en cubierta.

  1. Opinión crítica.

La arquitectura del arquitecto francés Duncan Lewis muestra una gran sensibilidad en todas su obras, sin embargo, en esta va más allá puesto que en la Ecopôle, es capaz de ordenar el territorio desde la consonancia con el lugar y las necesidades que se van a generar tras la construcción, llegando a fundir el entorno con lo creado sin crear desavenencia para ninguno de los dos componentes. Vemos como entorno y arquitectura forman un binomio donde uno no se entiende sin el otro.

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Maqueta de proyectos. Ordenación del territorio y posicionamiento del edificio.

El proyecto se yergue como un ecosistema único. Para ello se emplean técnicas y materialidades autóctonas, de forma que este no desentona en el conjunto resultante, convirtiendo el cuidado del medioambiente en algo más posible a la mentalidad humana.

En cuanto a su forma de ser construido, nos damos cuenta ue la poética epidermis que conforma con la vegetación, capaz de mostrar cuatro caras diferentes del edificio según la época del año en la que se encuentre, aparte de cumplir con una función estética, protege al interior de la radiación solar, evitando el sobrecalentamiento en verano puesto que en esta misma época es cuando el follaje es más denso en fachada mientras que en invierno, la entrada de luz es mayor gracias al desnudo de la vegetación. Así, la naturaleza coadyuva a la climatización interior del Corazón de la Ecopôle.

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Fotomontaje del estudio Duncan Lewis Scapa Architecture. Vista final del edificio.

En general, vemos como es un edificio donde el entorno se integra y concibe como un componente más de la arquitectura, logrando con ello el respeto hacia el entorno y la instauración en sus usuarios de una mentalidad  que adopte una posición nueva en la relación del ser humano con el medio ambiente de cara al futuro.

  1. Planimetría
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Planta baja del edifico “Corazón de la Ecopôle”

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Sección del edifico “Corazón de la Ecopôle”

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Sección proyecto Ecopôle

  1. Bibliografía

Ilustraciones:  Ecopole Veniles, DUNCAN LEWIS SCAPE ARCHITECTURE (en línea), ©2012-2017 [consulta: 12 marzo 2017]. Disponible en: http://duncanlewis.com/PROJETS/145.VELINES/Velines05.html

Une architecture signée Duncan Lewis, Écopôle. ©2014-2017 [consulta: 12 marzo 2017]. Disponible en: http://www.ecopoleaquitaine.fr/une-architecture-sign%C3%A9e-duncan-lewis

Ecopole Veniles, Duncan Lewis Scape Architecture, ©2012-2017 [consulta: 12 marzo 2017]. Disponible en: http://duncan-lewis.com/PROJETS/145.VELINES/Velines05.html

Duncan Lewis, (9 de junio 2009). En Construire avec la nature. Développement durable: la croissance. Fundación Maison des sciences l´homme, París.

Facebook; ecopole  veniles ©2014-2017 [consulta: 08 julio 2017].

FKZ QUARTER, 2015. BUDCUD (MATEO ADAMCZYK, AGATA WOZNICZKA). CRACOVIA, POLONIA.


FKZ QUARTER. 2015. Cracovia, Polonia. BudCud (Mateo Adamczyk, Agata Wozniczka). Colaboradores:   Fundación para la Cooperación entre Polonia y Alemania, Castorama, Oficina del Festival de Cracovia, Cracovia Ciudad UNESCO de la Literatura y Museo de Historia de la Ciudad de Cracovia.

  1. Descripción del proyecto

FKZ Quarter, en una instalación temporal, diseñada por el estudio polaco BudCud, con motivo del 25 aniversario del Festival de la Cultura Judía en Cracovia. Este festival, extendido por todo el mundo, eligió como punto de desarrollo dentro de Cracovia, el barrio judío de Kazimierz.

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Enfrentándose a la estructura del barrio BudCud, observa que lo más característico son los numerosos espacios vacíos que se quedan entre viviendas, lo que podrían ser plazas, espacios de recreo… sin embargo, se ven ocupadas por coches, mercadillos, …

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Por ello, ven una oportunidad clara de aprovechar estos vacíos, para atraer aquí la vida social; y atendiendo a la temática del festival, eligen colocar la instalación temporal en la parte posterior de la Sinagoga Vieja (la más antigua de Polonia), en la calle Dajwor.

Este lugar, con una pendiente natural, lleno de vegetación, recuerda a un jardín deshabitado, invisible entre la multitud de autobuses turísticos que colmatan la calle.2-seccion

El proyecto, con varios objetos en torno a una plaza central elevada, pretende dar un nuevo uso a ese espacio público. A corto plazo, acogiendo actividades durante el festival y, a largo plazo, reactivando el lugar con diferentes tipos de actividades, creando un área polivalente tanto para vecinos, como para turistas.

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La arquitectura del FKZ Quarter, se adapta a las condiciones locales del barrio, usando cubiertas vernáculas y una estructura que fomenta la participación social y el comportamiento espontáneo, uniendo lo comercial con lo gratuito. Es decir, al pensar esta infraestructura desde usos que necesitan del espacio exterior para su desarrollo, con capacidad de suplementarse los unos a los otros, se está potenciando esa interrelación entre usuarios y actividades, de manera que a su vez pueden surgir cualquier otro tipo de ideas, programa, …3-modelo

Este pequeño contexto urbano que se introduce en la plaza, se articula en tres volúmenes, en torno a una plaza central elevada, con función de escenario, pista de baile, sala de clase o café. Para acceder tanto a esta, como a los volúmenes donde se ubican un taller de serigrafía, una biblioteca y un café; existen unas escaleras-bancos y una rampa, garantizando el acceso a personas con movilidad reducida.

Para complementar este programa, se coloca una zona de tenis de mesa, en la parte posterior.

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  1. Análisis de su arquitectura

Con objeto de sacar el mayor partido posible a esta instalación, se va a cuidar mucho la materialidad con la que se envuelve este programa socio-cultural, de horario bastante extendido.

Utilizando una estructura de madera, que se corresponde con la tipología constructiva “Platform frame”, se consigue un esqueleto exento de la envolvente, dando la posibilidad de usar distintas soluciones ligeras. En este caso, la envolvente está formada por paneles gruesos de contrachapado en ciertos puntos y placas transparente de plástico corrugado para la mayoría de muros y cubiertas, equilibrándose de esta manera, el brillante color amarillo del suelo.

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Además, estematerial traslúcido funciona como faro, punto de luz que atrae a los vecinos del barrio, en las noches de celebración de conciertos.

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  1. Opinión crítica del proyecto

Esta obra es ejemplo de cómo reactivar un espacio, para muchos olvidado, insertando una pequeña infraestructura: se coloniza el vacío, reorganizándolo y readaptándolo a la escala del peatón; no se precisa una “arquitectura objeto”.

Otro aspecto esencial para el funcionamiento del proyecto, es la garantía continuada de personas en ella, gracias a su programa, asegurándose así su mantenimiento.

Por otro lado, queda de manifiesto cómo todo buen proyecto, debe ir acompañado de materiales adecuados a la idea que se quiere transmitir, pues estos podrían explicar por sí mismo cómo es y qué pretende una arquitectura..

Forma e imagen dependen en gran medida, de los materiales empleados y la manera de construir; dos aspectos de la arquitectura que no deben ser entendidas como una parte secundaria del proceso de diseño: la construcción también se proyecta.

Por último, haciendo referencia al emplazamiento, pese a elegirse para esta infraestructura el centro del área de intervención, consigue dar cualidad a todo su entorno, sin que estos se conviertan en espacios residuales frente a la nueva arquitectura, sino que sirvan a esta, convirtiéndose en una extensión de ella.

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  • Bibliografía

-Pabellones Festival de Cultura Judía / BudCud. Plataforma arquitectura. 3 agosto 2015, 22:00. [consulta: 15 octubre 2016]                                                                                                     Disponible en: //http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/771219/pabellones-festival-de-cultura-judia-budcud

-FKZ QUARTER. BudCud. [consulta: 11 octubre 2016] Disponible en: http://www.budcud.org/projects/fkz-quarter/

-Instalación temporal por BudCud. Metalocus. 31 julio 2015. [consulta: 11 octubre 2016] Disponible en: http://www.metalocus.es/es/noticias/instalaci%C3%B3n-temporal-por-budcud

-How can we convince de public?. En: A10, new European architecture. 2016, no.67.

-25.FKZ_Kwartał FKZ | FKZ Quarter. [consulta: 11 octubre 2016].Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=eOg_jJdYPgE

 

SERPENTINE GALLERY PAVILION. 2009. SANNA


Serpentine Gallery Pavilion, SANAA; Hyde Park, Londres, 2009.

1. Descripción de la obra o del proyecto: relaciones con el contexto urbano, programa y funcionalidad.

Desde el año el 2000 e ininterrumpidamente, la Serpentine Gallery selecciona a arquitectos conocidos para diseñar un pabellón que se exhibe durante los meses de verano en los jardines de la galería.

La Serpentine Gallery se sitúa en uno de los parques más grandes del centro de Londres, Hyde Park y el acceso a la misma se produce desde la vía West Carriage Drive, la cual atraviesa esta extensión verde de norte a sur.

El museo se encuentra alejado de esta carretera, por lo que para llegar al edificio hay que atravesar uno de los caminos pavimentados que aparecen en el parque. Es en esta parte de jardín que precede al edificio donde se sitúan los pabellones efímeros.

En el año 2009 SANAA fue el equipo elegido. Propusieron un pabellón que se diluía con el parque y cuya forma quedaba determinada por los árboles y caminos del mismo.

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El pabellón consistía en una fina cubierta que ondulaba suavemente cambiando de altura en determinados puntos y que recogía el programa de actos veraniegos propuesto.

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Este contaba con un espacio de actos para 160 personas situado cerca del museo, lejos del tráfico, donde la cubierta se elevaba. La cafetería estaba junto a la West Carriage Drive, proporcionando un buen acceso desde el jardín; aquí el techo descendía levemente. En otro punto, la cubierta bajaba bruscamente hasta convertirse en mesa. El programa se completaba con una zona de música y un espacio de descanso.

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La forma del pavimento blanco sobre el que se desarrollaba el pabellón no coincidía exactamente con la de la cubierta; incluso había pilares cimentados en el propio césped en lugar de en este pavimento.

De esta manera, había una intención de separar suelo y cubierta para no crear un espacio acotado, permitiendo así que el jardín continuara a través del propio pabellón.

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El pabellón se extendía en varias direcciones a la misma altura que la copa de los árboles. De esta manera, tanto en la cubierta como en los pilares que la sustentan se podía ver el reflejo de los árboles, del cielo, del césped y del edificio de la Serpentine Gallery.

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A su vez, la división entre interior y exterior se diluía por la ausencia de cerramientos y todo lo existente debajo de la cubierta tenía la misma condición que los jardines de alrededor. De esta manera, el pabellón era accesible desde cualquier parte del jardín, permitiendo un tránsito aleatorio de los  visitantes, así como una perspectiva ininterrumpida del parque.

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Únicamente el espacio de actos y la cafetería estaban protegidos por tabiques curvos translúcidos los cuales seguían una línea diferente a la de la cubierta para no crear un espacio cerrado. Además, la materialidad de los muros permitía una suave distorsión del entorno.

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2. Análisis de la arquitectura (sobre su construcción, su solución estructural y las consecuencias en la arquitectura proyectada o construida)

El pabellón se situaba sobre un pavimento de mortero blanco, cuya forma se asemejaba a la de la cubierta pero sin llegar a coincidir (como se explicó anteriormente).

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La cubierta estaba formada por una serie de paneles de madera contrachapada de abedul de 19 mm de espesor, recubiertos en sus dos caras por finos paneles de aluminio espejado de 3 mm, que conseguían el reflejo buscado por los arquitectos.

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Esta cubierta descansaba sobre una malla de pilares de acero inoxidable con un tratamiento con el cual también se conseguía ese aspecto de espejo. Tenían un diámetro 50 mm de y estaban dispuestos cada 2 o 3 metros, de tal manera que permitían la mayor libertad de movimientos posible para los visitantes.

El encuentro de la cubierta y los pilares se resolvió mecánicamente con una unión atornillada entre ambos, mientras que estos últimos contaban con una unión a cimentación mediante una placa metálica soldada y pilotes de rosca.

Debido a su carácter efímero, se optó por una solución constructiva que posibilitara su desmontaje cuando acabara el período de la exposición.

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1.Pilote de rosca; 2.Hormigón en masa ligero; 3.Placa de base 300x300x25mm; 4.Mortero 40mm; 5.Pilar de acero inoxidable acabado espejado ø50mm; 6.Capitel de acero ø150mm; 7.Aluminio espejado 3mm; 8.Pegamento epóxico; 9.Madera contrachapada de abedul 19mm

Los tabiques curvos son de material acrílico, formando, en el caso de la cafetería una curva casi cerrada y envolviéndose en sí mismo en el recinto de eventos, proporcionando así un mayor confort térmico.

3. Opinión crítica de la obra o del proyecto: planteamiento y resultados conseguidos, preferentemente respecto a la idea de arquitectura e infraestructura.

La obra de SANAA se caracteriza por la liviandad de la construcción y la sutileza de la implantación, haciendo una arquitectura de la que cabe destacar la pérdida de límites que separan interior y exterior, de manera que crean una arquitectura que parece difuminarse, desaparecer, como ocurre con este pabellón. Este grado de abstracción produce una sensación de inmaterialidad, que sorprendentemente se consigue explotando al máximo los recursos de la propia materialidad propuesta.

De esta manera, el pabellón no estaba diseñado como un objeto, sino que se trataba de un espacio que proporcionaba una experiencia diferente dentro de la continuidad del parque.

Desde los primeros esbozos muestran esa idea de conseguir que el pabellón se convierta en una infraestructura dentro del jardín, comprobando con distintos bocetos y maquetas hasta llegar a la opción adecuada. Estos esquemas iniciales ya dan respuesta a las necesidades del programa y del entorno, siendo la geometría el principio generador de estas.

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Se establece entonces una relación entre arquitectura e infraestructura puesto que además de cumplir con el programa, el pabellón consigue ordenar el espacio del jardín así como guiar al visitante hacia la entrada del edificio de la galería.

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El pabellón ofrece un espacio que permite a los usuarios descansar en un lugar público, poniendo en valor, de esta manera, la riqueza de la cultura tradicional inglesa.

BIBLIOGRAFÍA:

YUKIO FUTAGAWA y RYUE NISHIZAWA. Kazuyo Sejima, Ryue Nishizawa: 2006-2011. Tokyo: ADA, 2011. ISBN 9784871404280

FERNANDO MÁRQUEZ CECILIA y RICHARD LEVENE. Sanaa 2008-2011: Arquitectura inorgánica = inorganic architecture. Madrid: El Croquis editorial, 2011. ISBN 9788488386649

LUIS FERNÁNDEZ-GALIANO. SANAA: Sejima & Nishizawa 2007-2015. Madrid: Arquitectura Viva, 2014. ISBN 9788461723683

PHILIP JODIDIO. Serpentine gallery pavilions. Köln: Taschen, 2011. ISBN 9783836526142

Serpentine Gallery Pavillion 2009. En: Pasajes de arquitectura y crítica. 2010, no. 110, pp. 8. ISSN 1575-1937.

Serpentine Gallery Pavilion 2009: Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/SANAA – Serpentine Gallery Pavilion 2009, London, 2009. En: Lotus International. 2010, no. 142, pp. 84-87.

MURRAY, CHRISTINE. Grappling with an open brief: SANAA on its Serpentine Pavilion. En: Architectural Review. 2009, no. 1349, pp. 14-15.

GREGORY, ROB. Serpentine Pavilion, Serpentine Gallery, Hyde Park, London: Sanaa. En: Architectural Review. 2009, no. 1350, pp. 82-86.

TONON, CARLOTTA. Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa – SANAA: esile come un fiore, sottile come uno specchio. En: Casabella. 2009, no 784, pp. 62-69.

 

EL VAGÓN DEL SABER _ 2012 _ Al Borde Arquitectos (Jorge Noreña)


EL VAGÓN DEL SABER, 2012. Itinerante (Ecuador), Al Borde Arquitectos,

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Director de proyecto: Jorge Noreña
Diseño IndustrialJuan Subia

  1. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO:

“¿Y si transportamos la cultura y el espacio público?” Así surgió la idea de incluir un vagón social en la reactivación del sistema ferroviario ecuatoriano, promovido por el Ministerio Coordinador de Patrimonio. El vagón seleccionado como activador del espacio público tiene sus orígenes en el año 1947 y,  tras 12 años en desuso, fue modificado y renovado por Al Borde Arquitectos.

Este proyecto multidisciplinar deberá ser capaz de albergar musicales, actos teatrales, capacitación de comunidades, festejos…   Es decir, que el proyecto no presentaun programa arquitectónico definido, lo que supone un gran desafío: un solo espacio para diversas actividades culturales posibles.

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2. ALASISIS DE LA ARQUITECTURA:

Como solución a dicho espacio multifunción de 12 x 2,5 x 2,1 (m.), los autores optaron por aplicar matemáticas básicas: el múltiplo mínimo común. Traducido al lenguaje arquitectónico, esta lógica se basa en resolver con la menor cantidad de elementos el mayor número de funciones. Así, se pretende reunir en el mismo lugar una plaza pública, un teatro con capacidad de 60/80 espectadores y una zona de trabajo que acoja 20 personas aproximadamente utilizando mobiliario retráctil, cubiertas extensibles y dos bodegas. Es en este punto donde entran los diseñadores industriales, optimizando los tiempos y procesos constructivos.
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“El Vagón del Saber” estaba formado por una estructura metálica a base de láminas y perfiles creando un espacio estrecho, alargado, oscuro y con poca ventilación. Al no ser este un contenedor de ferrocarril cualquiera, se decidió recuperar y mantener las características formales del mismo, volviendo a su morfología y esencia original dotándolo de cultura e historia ecuatoriana. Para ello, se estableció como condicionante de diseño que la nueva propuesta no afectara ni a la forma ni a la estructura original. Teniendo en cuenta ese factor, se propuso una envolvente de madera separada de los paneles metálicos, cuya forma se asemeja a un telar. Esta forma hace referencia a los tejidos de tutora de las tierras ecuatorianas donde funcionará este equipamiento itinerante. El mobiliario plegable manual forma parte de esta envolvente y responde a las actividades de dentro del vagón.

A sus extremos los arquitectos colocaron un entramado de madera que tiene dos funciones: por un lado, permite la entrada de luz y aire al interior del volumen; por otro lado, al ser desplegable y conformar una cubierta, proporciona sombra y protección al espacio público que lo rodea.

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El desnivel entre el suelo y el interior del vagón y la accesibilidad están resueltos mediante una serie de rampas que se despliegan por los extremos laterales del contenedor cultural. En su interior dispone de dos espacios de almacenaje donde se guardan los pubs de la zona de lectura y otros muchos objetos, de un sistema de proyección y audio, internet e incluso de calefacción, pudiendo así disfrutar del mayor confort térmico.

Se debe aclarar que son dos propuestas diferentes: “El Vagón del Saber de la Sierra o Vagón de Alfaro” fue el primero en ser diseñado y construido en el año 2012 por IKONEstudio de arquitectura y el “Vagón del Saber de la Costa” a cargo de AlBorde arquitectos, diseñado casi un año mas tarde. Aunque los dos vagones pertenecen al mismo proyecto impulsado por el Ministerio Coordinador de Patrimonio, son dos propuestas diferentes, con diseñadores diferentes en localidades diferentes (el uno en la sierra el otro en la costa). De hecho, el vídeo es del proyecto diseñado por IKONEstudio diseñado.

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3. OPINIÓN CRÍTICA:

AL BORDE arquitectos y IKONEstudio consiguen cohesionar una gran variedad de funciones culturales en el mínimo espacio siendo fieles a sus ideas de “menos con más”. En un solo volumen de 12 x 2,5 x 2,1 logran reunir hasta 80 personas, promoviendo así la cultura territorial. Utilizan una infraestructura práctica derivada de necesidades de funcionamiento como base esencial de la creación y funcionalidad del proyecto. Fusionan las acciones de los usuarios con un punto de vista multidisciplinar. Un punto de vista que recoge cuestiones técnicas, económicas y sociales. Esto es lo que hace grande a este proyecto. La arquitectura ecuatoriana ha vivido en crisis durante mucho tiempo y ha hecho que los artistas intenten hacer lo más con lo menos; la mayor cantidad de recursos en el menor tiempo posible. Pura eficacia. En mi opinión, esto lo podemos ver fácilmente en el “Vagón del saber”, ya que es un proyecto realizado para la ciudadanía, que utiliza y reforma lo ya existente, ideado para reavivar la actividad social (cosa que se nos está olvidando hacer en otros muchos sitios) con el mínimo gasto posible.

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_Bibliografía:

Tatarella Francesca: Natural Arquitecture Now . New York: 2014 (Libro)

Umran, nº 51. Arabia saudí:  (Revista)

30-60, nº 41 ,(página 49). Quito: I+P editorial, 2012  (Revista)

_Webgrafía:

http://nomadaq.blogspot.com.es/2013/12/el-vagon-del-saber.html

http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-292885/vagon-de-alfaro-ikonestudio-de-arquitectura

http://www.telegrafo.com.ec/cultura1/item/profesionales-constatan-auge-de-arquitectura.html

http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-292885/vagon-de-alfaro-ikonestudio-de-arquitectura

http://www.albordearq.com/cgi/wd

 

 

__Autora: Garazi Merodio Ayarza

Pabellón de Portugal Expo’Lisboa, 1995-98. Álvaro Siza Viera.


Pabellón de Portugal Expo’Lisboa, 1995-98. Álvaro Siza Viera. Lisboa, Portugal. Colaboradores: Eduardo Souto de Moura.

 

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1. Descripción del proyecto

Edificio situado en el Parque de las Naciones en Lisboa, a orillas del río Tajo y que busca establecer una relación dinámica con el resto de edificios que se encuentran en el contexto. Fue concebido para la representación nacional portuguesa en la Exposición internacional de Lisboa del año 1998, con la función de permanecer en esta nueva zona de la ciudad como símbolo de modernidad. El tema de la Expo, “Los océanos: Un patrimonio para el futuro“, conmemoró el patrimonio de los descubrimientos portugueses y exigió al arquitecto una interacción sensible entre el pabellón y el puerto.

Hay que destacar la participación del arquitecto Souto de Moura en el diseño de sus espacios.

 

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El área destinada para el desarrollo de la Expo era una zona ambientalmente deteriorada a orillas del río Tajo. El propósito de los organizadores fue no solamente recuperar esta área sino convertirla en una zona dinámica en el desarrollo futuro de la ciudad. La intención en Lisboa fue, desde un principio, el poder integrar las áreas de exposición al desarrollo de la ciudad, una vez finalizado el evento.

La zona de la Expo conformó el nuevo distrito de Olivais, el cual se conectaría a la ciudad mediante una nueva línea de metro, el puente Vasco da Gama  y una estación multimodal diseñada por Santiago Calatrava. El plan maestro de la exposición optó por un patrón urbano claro y racional, organizado a lo largo de una gran arboleda y priorizando su relación visual con el agua.

 

Presentación1 (2)El arquitecto, enfatizando en la conexión entre el espacio y la vista más allá, quiso enmarcar la vista del río con un espacio cerrado y libre de pilares.

 

 

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El proyecto contó con una serie de dificultades a tener en cuenta, ya que debía tener una imagen emblemática y a su vez ser compatible con actividades que podrían desarrollarse en el edificio posteriormente, con un programa aún sin fijar. A esto hay que añadirle el problema de ser implantado con el contexto de un plan esquemático que podía sufrir cambios, con edificios a su alrededor en fase de construcción y cuyos diseños no estaban completamente definidos. A la vista de estas dificultades, el proyecto tomó la forma al proponerse desplazar el edifico hasta el muelle situado en la esquina noroeste, como si fuera una gran nave sólidamente anclada a la orilla. Esta decisión alteró la propuesta preliminar, en la que el edificio ocupa una posición en eje con el muelle, en el espacio situado entre este y la avenida lateral. La nueva asimetría permitía establecer una relación dinámica con el resto de los edificios situados a lo largo del muelle y que se encontraban en proceso de ejecución.

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El edificio destaca sobre el resto de construcciones por una gran pérgola curva que forma la cubierta. Ocupa una estructura modulada de aproximadamente 70×90 metros, en sótano y dos plantas, con un patio interior, un patio exterior abierto al norte y un pórtico paralelo al muelle orientado al este. La luz natural queda garantizada por una distribución de huecos modulada y por la apertura hacia los patios. Esta distribución regular de los huecos, combinada con la localización estratégica de la circulación vertical, permite una gran flexibilidad para la subdivisión y utilización futura del espacio.

 

 

 

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El programa se articula en dos sectores diferenciados organizados en tres plantas. El primer sector está constituido por un espacio exterior cubierto destinado a funciones ceremoniales, de un área de 3900m2. El segundo, por un edificio de unos 14000m2 organizado en torno a un patio interior cuadrado que permite dotarlo de iluminación. En este sector se encuentra la zona de exposiciones, la zona de recepción de visitantes, los restaurantes y la zona de servicios en la planta sótano.

 

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Planta baja

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Planta primera
p1Planta cubierta
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Sección longitudinal, alzados norte y sur.

 

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Alzado oeste y este

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2. Análisis de su arquitectura

En cuanto a su estructura, el aspecto más espectacular y destacable es la gran “vela”  curvada de hormigón armado de 65×58 metros y de 20 cm de espesor. Como si de una hoja de papel se tratase, aparece suspendida y sin apoyos centrales, esto se logra gracias a que está suspendida por cables de acero en ambos extremos.  Utilizando la misma tecnología que un puente colgante, está diseñado como una estructura en forma de cinta tensada, en la que los cables sueltos se endurecieron con hormigón pretensado para eliminar la oscilación y el rebote. Además de darle una elegante textura limpia, el hormigón pintado le da peso al techo para evitar corrientes de aire fuertes.

Los dos pórticos sustentantes se encuentran revestidos de azulejos en tonos rojos y verdes, siendo esta la primera vez que Siza utiliza este material de construcción portugués en exteriores.

 

Plano estructural

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Detalle de la cubierta del patio principal

 

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3. Opinión crítica del proyecto

Uno de los aspectos a destacar en la obra es la flexibilidad con la que se proyecta. Gracias a esto, no solo fue concebida para la Exposición de Lisboa, sino que se planteó de modo que pudiera tener una utilidad en otras actividades posteriores. Algo que también considero interesante es la utilización de materiales de construcción portugueses, que combinan con la sobriedad y el minimalismo del proyecto dándole un toque de color. Aunque se caracteriza por  sus líneas rectas y contundencia, uno de los aspectos más llamativos de la obra es la gran estructura en forma de vela que cubre el patio. Resulta increíble que esa cubierta pueda ser sustentada por tan solo dos bloques verticales y una estructura interior de acero sin la necesidad de un apoyo central, ya que la luz que cubre es de gran tamaño. Por último, me gustaría destacar la importancia de este edificio como parte de la Exposición de Lisboa en la reactivación de una zona deteriorada, que no solo consigue recuperar este área sino que lo convierte en una zona dinámica en el desarrollo futuro de la ciudad ya que como sabemos en la actualidad, el edificio acoge en su interior eventos musicales, artísticos y galas benéficas.

Bibliografía:

Jodidio, Philip: Álvaro Siza. Taschen, 1999.

Sánchez Vidiella,Álex: Álvaro Siza:Apuntes de una arquitectura sensible. Loft publications, 2009.

Márquez Cecilia, Fernando y Levene, Richard. El croquis,Álvaro Siza 1958-2000, Madrid.El croquis editorial, 2007.

 

Autor/a de la entrada: Paula, Cano Payán.

KRAGSTUHLMUSEUM – CANTILEVER CHAIR MUSEUM, 2002-2008. ALISON & PETER SMITHSON. LAUENFÖRDE. AXEL BRUCHHAEUSER.


CARACTERÍSTICAS DEL PROYECTO:

PROYECTO: KRAGSTUHLMUSEUM – CANTILEVER CHAIR MUSEUM

AÑO DE EJECUCIÓN: 2002-2008

AUTORES: ALISON & PETER SMITHSON

LOCALIZACIÓN: LAUENFÖRDE

COLABORADORES: AXEL BRUCHHAEUSER

1 – Descripción de la obra o del proyecto: relaciones con contexto urbano; programa y funcionalidad

La elección de la obra del Kragstuhlmuseum para el caso de estudio viene dada por las similitudes que guarda con el curso de Proyectos VII y el ejercicio propuesto para el mismo. Un paisaje ampliamente industrial con la cercanía de un paisaje fluvial y de una línea de ferrocarril; la elección de materiales ligeros y la búsqueda de la luz difusa para la iluminación de los espacios son varias de las características que guarda con el desarrollo del ejercicio y, que expondremos a continuación.

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El Kragstuhlmuseum o Archivo Tecta fue un proyecto encargado por Axel Bruchhaeuser a los arquitectos Smithson desarrollado posteriormente a la muerte de la pareja, entre los años 2002 y 2008 con una superficie de 6000 m2. El edificio es un museo privado basado en la producción industrial del diseño del mobiliario del movimiento moderno; situado en el parque industrial Sohnreystraße, en Lauenförde, un pequeño pueblo rural, a pocos kilómetros de la ciudad de Kassel, en Alemania.

El proyecto se ubica cerca del río Weser desarrollándose en un parque ajardinado. El Kragstuhlmuseum no es la única producción industrial del paisaje sino que, en esos terrenos se encuentra la fábrica TECTA, cuyo dueño es Axel Bruchhaeuser, amigo de la pareja y el que les encargó el proyecto del Kragstuhlmuseum  en cuyos terrenos dejaron muestras de su creatividad los arquitectos Smithson con otras fabricaciones industriales que guardan similitudes en su concepción de la ligereza del edificio y el encuentro con el paisaje adaptándose a él y no avasallándolo.

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La historia de este proyecto se remonta a mediados de los años 80, cuando Stefan Wewerka, un amigo de la pareja, le presentó a su amigo Axel Bruchhaeuser que, posteriormente, se convertiría en un buen amigo de los Smithson. Este encuentro marcó el principio de un periodo creativo y productivo sin precedentes. Como citamos anteriormente éste era el propietario de TECTA, una fábrica de muebles en Alemania; Bruchhaeuser encargó a la pareja llevar a cabo unas pequeñas intervenciones y añadidos a su fábrica además de su casa. El encargo rápidamente permitió unas relaciones especiales que activaron a los Smithson a probar un amplio rango de ideas, no solo la conexión con proyectos de pequeña escala, sino también con proyectos en un taller de fábrica, donde Bruchhaeuser les dio la oportunidad de producir varios diseños de muebles.

Posterior a la muerte de Alison Smithson en 1993 las relaciones entre Peter Smithson y Axel Bruchhaeuser se intensificaron. El encargo más grande fue diseñar un pequeño museo adyacente a la fábrica TECTA para aportar un alojamiento atractivo y apropiado para la colección de sillas de Bruchhaeuser, el conocido Kragstuhlmuseum ó Cantilever Chair Museum.

El museo fue construido en tres fases después de la muerte de Peter Smithson en 2003, debido a los problemas de financiación y permisos de obra que finalmente los obtuvieron en Febrero de 2003, ya fallecido el arquitecto.

Estas tres fases comprendían a tres edificios individuales más que en extensiones de una simple estructura, la intención era crear una única entidad de edificios y paisajes en combinación con un museo constituido por tres partes con un trazado de rutas entre las nuevas y viejas construcciones.

Así el museo queda formado por tres espacios expositivos separados:

  • Edificio principal de exposición: El edificio principal alberga el Kragstuhlmuseum y el Archivo Tecta.
  • Edificios de exposición complementarios: Los otros dos edificios del complejo guardan el trabajo del ingeniero y diseñador francés Jean Prouvé.

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2 – Análisis de su arquitectura (sobre su construcción su solución estructural y las consecuencias en la arquitectura proyectada o construida).

Los materiales principales del proyecto son el acero y el vidrio vinculado con el desarrollo industrial de aquellos años. Una de las imágenes más características del proyecto es su concepción de que la estructura sea una parte vinculante al paisaje encontrándose expuesta al exterior otorgándole cierta importancia y sobre todo dándole cierta cualidad al edificio que la hace distinta a los demás.

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Por ello, la imagen más peculiar del edificio es una distintiva estructura de acero pintada de rojo y en zig-zag que crea un enrejado de paneles hexagonales de vidrio. Al igual que los paneles de vidrio, la planta del edificio es una notable figura en zigzag que da lugar a diferentes espacios escénicos los cuales están agrupados en una zona verde intermedia, buscando siempre esa relación y esa imagen directa con el paisaje.

Lo particular de este lugar industrial es el hecho de que mientras paseas puedes ver las exposiciones del interior desde fuera, es decir, tienes una completa visión desde el exterior en la que no hay “secretos” escondidos. La idea de la función de este museo era acercarlo a sus visitantes, por eso el hecho de crear un edificio completamente acristalado que no impusiera barreras para su entrada.

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En el interior nos aguarda un espacio diáfano característico por concebirlo de manera que sea transparente con una cubierta de chapa sujeta por perfiles metálicos  y cuya estructura está toda pintada de blanco para reducir su impacto visual y darle mayor importancia a los objetos expuestos en el museo. Toda la concepción de la estructura del edificio se aprovecha utilizándose como “vitrinas” de los diferentes modelos del mobiliario urbano aprovechando cualquier espacio o hueco que se encontraban para exponer sus obras de cara al interior o exterior del proyecto.

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La importancia de la luz en estos espacios “mecanos” está solucionada por la entrada de luz difusa proveniente de la orientación norte. Las fachadas sur del museo son opacas, aprovechando para abrir las demás para reunir  la entrada de una luz tenue que guarde relaciones con la iluminación escénica que tienen que venir dadas por la utilización de este edificio como parte de un museo. Aparte se abren huecos para la entrada de luz en la cubierta, creándose claraboyas que proporcionan luz suficiente en las áreas internas del centro.

Gracias a esta solución las exhibiciones se pueden apreciar mucho mejor a la luz del día a la vez que los visitantes disfrutan de una temperatura agradable en el recinto durante todo el año, pese a que su concepto acristalado nos hace pensar que sea imposible.

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Como síntesis, el fundamento del proyecto fue desarrollado de acuerdo con el concepto de “Conglomerate Ordering” que formularon en los años 80 en el que expresan que:

“Un edificio debe permitir ser interpretado, queremos decir capaz de ser leído en distintas formas por los ocupantes de manera que se convierta en parte suya”.

Reconocen constantemente la necesidad de que los espacios activen nuestros sentidos porque es de esa manera cuando nos “apoderamos” de él, produciéndose una conexión emocional entre el espacio y el individuo. Esta idea, que los Smithson desarrollan y buscan aplicar en sus obras, consiste en la condición de la necesidad de recorrer el edificio para entenderlo. El edificio no se concibe como conjunto a primera vista, no se muestra como un “todo” desde el principio sino que uno lo va “armando” poco a poco mientras lo va recorriendo.

La idea es exaltar nuestras capacidades perceptivas proponiendo un sistema que potencie los sentidos y a través de nuestra percepción hacernos partícipes indispensables de la concepción del edificio. Cuando el ocupante lo penetra y se apropia del espacio con sus sentidos, entiende el edificio, lo concibe en su totalidad porque se produce esa “apropiación emocional” indispensable en la identificación del individuo con el espacio.

3 – Opinión crítica de la obra o del proyecto: planteamiento y resultados conseguidos, preferentemente, respecto a la idea de arquitectura e infraestructura.

Como opinión personal, este proyecto describe a la perfección como un edificio puede estar sujeto al paisaje moldeándose al mismo y no destruyéndolo. Su colocación en el mismo le da cierta ligereza al conjunto, separando el museo en tres edificios incorporando el paisaje entre ellos, además su transparencia hace que el paisaje sea el principal impulsor del proyecto teniéndolo siempre presente.

El desarrollo de  las relaciones entre el individuo y la obra proyectada, se describe como una de las ideas fundamentales de la arquitectura en la que ésta última debe responder al individuo, como principal objetivo, para hacerla habitable; el juego de las luces, la propia “inmaterialidad” del edificio y su posición hacen de este museo un juego constante para los sentidos, que hacen partícipe al visitante no solo en las propias salas de exhibiciones sino con su lectura desde el paisaje exterior.

Autor/a de la entrada: Cristina Salmerón López.

BIBLIOGRAFÍA:

  • Judy Chung, Chuihua; Tsung Leong Sze: The Charged Void: Architecture. Allison and Peter Smithson. 1ª ed. New York: The Monacelli Press, 2001.
  • Marco Vidotto: Alison + Peter Smithson. Obras y proyectos.1ª ed. Barcelona: Gustavo Gili, SA, 1997.
  • Max Risselada (ed.).Alison & Peter Smithson. A Critical Anthology. Barcelona: Polígrafa, 2011.

ASAMBLEA NACIONAL DE KUWAIT, 1969, JORN UTZON


OBRA: Asamblea Nacional

LOCALIZACIÓN: Kuwait, Asia

AÑO: 1969

ARQUITECTO: Jørn Utzon

1.Descripción de la obra o del proyecto: relaciones con contexto urbano; programa y funcionalidad

Con el descubrimiento de grandes pozos petrolíferos en el golfo Pérsico, Kuwait, una pequeña monarquía constitucional de la Península Arábiga, pasó a ser una de los mayores productores de petróleo del mundo. Con los beneficios obtenidos se financia la modernización del país, mejorando infraestructuras y construyendo una serie de edificios representativos. Es en este contexto en el que Jørn Utzon ganó, en el año 1969, el concurso para la construcción de la Asamblea Nacional de Kuwait.

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El solar, está situado en la parte occidental de la ciudad antigua, frente a la costa del golfo Pérsico, en un terreno llano, rodeado de calles y con ausencia de un contexto urbano claro. El programa es complejo y variado: ministerios con sus oficinas, áreas de recepción, administración, sala de la Asamblea, aparcamiento, biblio­teca, mezquita, servicios, etc.

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Partiendo de estas condiciones, Utzon propone un edificio autónomo: un recinto con una calle central que relaciona ciudad y mar, dentro del cual se sitúa un edificio modular capaz de crecer con el tiempo hasta completar el recinto a partir de una arquitectura compacta, aditiva,con sus raíces en la tradición árabe.

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Se configura una trama base de 5 x 5m que crea un espacio ho­mogéneo, una estructura que servirá de soporte para la construcción de unos módulos que se entenderán como volúmenes estáticos dentro de un espacio flexible. El módulo tipo está formado por dependencias alrededor de un espacio central y rodeado de pasos con lucernarios que garantizan su iluminación y ventilación.

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Esta trama controla la complejidad del programa y lo organiza a través de una calle abierta y cubierta, un espacio a doble altura que sirve a un grupo de oficinas, salas y servicios, y que termina en un enorme pórtico que se orienta al mar.

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La mayor parte de los espacios públicos están contenidos en un edificio más convencional, rectangular y con techo plano detrás de la plaza. Utzon se inspiró en los bazares árabes y persas en su diseño de espacios. El espacio interior está cubierto y abierto, que se recorre a través de una calle porticada; y a través de las cuales se descubren unos volúmenes definidos por unos pasos iluminados cenitalmente, creando así espacios estáticos y dinámicos, claros y laberínticos al mismo tiempo, diferenciados según su uso y definidos por un orden que integra espacio, estructura y luz natural.

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2.Análisis de su arquitectura

La plaza abierta presenta una columnata pública de elevados  pilares que soportan una elegante cubierta de hormigón que parece “hincharse” con el viento, transmitiendo la delicadeza de una tela a pesar de su rigidez inerte, que cae de manera gestual hacia abajo con  la forma natural de una catenaria.Utzon afirmó que la sensación de la tela del techo hace referencia a la construcción de una carpa emblemática del pueblo árabe. Elevándose hacia la bahía de Kuwait, la arquitectura es a la vez acogedora y con visión de futuro, proyectando su noble mirada hacia el mar

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La estructura es de hormigón prefabricado y tiene que ver con los espacios a los que dan uso: vigas cajón sobre pilares de sección en T,  en los espacios de gran luz; y en el resto, un entramado modular de hormigón visto prefabricado al que se superpone un segundo orden, el forjado, a base de vigas pórtico prefabricadas y que muestra la importancia que da Utzon a la definición de los espacios a través del techo.

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3.Opinión crítica de la obra o del proyecto:

Yo creo que Utzon ha sabido utilizar la idea de los pueblos árabes donde todo se generaba en torno a un patio, la vida se produce en el patio y es el centro de la idea, pero también le ha dado un cierto orden de cuadrícula que hace que no se vuelva caótico como esos bazares árabes. Los usos se generan a partir de la forma y textura de la cubierta diferenciando así las zonas más privadas como las oficinas o administración con una cubierta plana con lucernarios generados a partir de una calle interior iluminada cenitalmente, mientras que en la sala de asamblea y en la plaza principal crea una sensación totalmente distinta jugando con la cubierta, haciéndola como si fuera una lona de los antiguos barcos árabes. En mi opinión logra conseguir la idea de cubierta liviana, aunque en realidad sea una cubierta pesada,al hacerla caer de las columnas que parece que se hincha con el viento, creando así una sensación de espacialidad como si estuvieras en medio del mar. Otro aspecto interesante en el edificio son las columnas que se forman a partir de un pilar cilíndrico y Utzon a partir de su manipulación los convierte en pilares específicos según la forma necesaria, creando una estética singular sin duda en el edificio a simple vista.

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REFERENCIAS:

-Libros:

Utzon J. (2008). Kuwait National Assembly : prefab / Jorn Utzon. Hellerup (Dinamarca) : Blondal


Michael Asgaard Andersen (2014). Jorn Utzon: Drawings and Buildings. New York : Princeton Architectural Press

Weston, Richard (2002). Utzon. Inspiration, Vision, Architecture. Hellerup. Ed. Blondal

 

-Pagina web:


http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/758079/clasicos-de-arquitectura-edificio-de-la-asamblea-nacional-de-kuwait-jorn-utzon

http://www.arthurholm.com/es/noticias/2013/11/80/index.htm

http://catalogo.artium.org/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje-por-la-arquitectura-contemporanea/asamblea-nacional-de

 

ANA SANTANA TINOCO

Nuevas instalaciones para Swatch / 2015 / Shigeru Ban / Biel (suiza)


Nombre del proyecto: Nuevas instalaciones para SWATCH.

Año: Presentación de proyecto en 2012, con fecha prevista de finalización en 2015.

Arquitecto: Shigeru Ban.

Localización: Jakob-Stämpfli-Strasse 96, Biel (Suiza).

1. Descripción del proyecto. Relaciones con el contexto urbano, programa y funcionalidad.

Tras ganar en 2005 el concurso propuesto por el Sr.Hayek (padre de SWATCH) con la posterior construcción del Nicolas G. Hayek Center en Tokio, Shigeru Ban se lanzó de nuevo al concurso propuesto nuevamente por el magnate empresarial en 2012 para Biel, Suiza.

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El proyecto presta especial atención a la relación entre el paisaje y la identidad de la zona en referencia a la marca corporativa. Las dos marcas famosas (Swatch y Omega, empresas hermanas) tienen la voluntad de ampliar sus instalaciones en el área de Biel, como parte de un mayor esfuerzo para revitalizar el sitio.

El arquitecto japonés pretende mantener la edificación ya existente y considerada como reliquia de la empresa Omega, en un terreno otrora incipiente de la industrialización. Dicha edificación funcionará como rótula intermedia entre el nuevo edificio de producción para Omega (en su costado Oeste) que cuenta con 5 plantas de oficinas y logística) ; y el edificio para la sede de Swatch (en su costado Este, en al antiguo emplazamiento de la guardería Wyss) el cual aloja, entre otros usos, espacios para la administración, marketing, ventas y departamentos de diseño. Este edificio prioritariamente alargado pretende ser una moderna construcción en madera que llegue a convertirse rápidamente en un hito para la ciudad. Bajo su prolongación paramétrica encontraremos un campus ya consolidado, un centro de visitantes con salas de exposiciones y plazas públicas, y una ruta de senderismo junto al río.

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planimetría (1)

Hayek Plaza (5)

Realmente se trata de un proyecto arquitectónico marcadamente paisajístico, donde la información y documentación que prima son las imágenes visuales, renders, y otros esquemas que acompañan a la propuesta del arquitecto japonés para la interpretación y reflexión sobre el nuevo espacio y su configuración urbanística. El propio edificio para la nueva sede de Swatch tiene un extremo curvo que configura la “Plaza Omega” de cara a la ciudad y al campus ya consolidado, y fomentando toda esa actividad juvenil de la que se lucra la ciudad. En cambio, el otro extremo modula la “Hayek Plaza”, un espacio con sombras y de cara al río, entrada a todo el conjunto verde cubierto parcialmente mediante la gran estructura paramétrica de madera y que pretende ser un foco de actividad relacionada directamente al caracter paisajístico de la ribera del río con todo el conjunto verde.

Plaza Omega (1)Hayek Plaza (1)

También cabe destacar la reforma a nivel urbanístico del espacio propuesto. La vía Gottstattstrasse, que discurre paralelamente al río, toma una ligera curva y lo salta para introducirse en la ciudad con una simple rotonda como arquiculación. El espacio queda muerto y carente de atractivo a pesar de ser un paso elevado a través del canal además de suponer una vía peligrosa por la rapidez que esta hace tomar a los conductores. La nueva estructura crea una ilusión óptica de velocidad que controlará la velocidad en ella además de conformar una nueva vía de coexistencia entre el tráfico rodado y el peatonal en la Hayek Plaza, entendiéndose como un gran portal de entrada a la ciudad, un espacio de paso tranquilo para el disfrute visual de la estructura, los escaparates del museo, y el entorno verde tanto para conductores como para viandantes.

Captura de pantalla 2015-02-13 a la(s) 17.09.46

Hayek Plaza (4)

2. Análisis de su arquitectura.

Cada una de las nuevas edificaciones serán construidas con una estructura de madera sólida conformada por pilares y vigas. El edificio de Omega se caracteriza por un amplio acristalamiento protegido mediante lamas horizontales, también en madera, y un techo inclinado referencial. Contempla una cubierta inclinada con paneles fotovoltáicos, obedeciendo a los edificios industriales protegidos existentes. La estructura permite un espacio libre y diafano por plantas organizado por muebles moduladores del espacio, en cuadrícula de pilares de aproximadamente unos 3-4 metros de distancia entre ellos en ambas direcciones. Los pilares quedan anclados a nivel del terreno y organizados por pares, que sujetan los elementos hotizontales de madera conformados en vigas boyd.

Edificio Omega (1)Edificio Omega (2)

esquema (3)El edificio de la sede Swatch contará además con una estructura paramétrica compleja, que conectará con el nuevo museo. Este, sigue la misma propuesta estructural en madera que el edificio Omega, con la salvedad de que toda la estructura queda sustentada por unos pilares curvos de hormigón armado que harán de soporte del conjunto, y liberarán el espacio a nivel rasante para la conformación del espacio público y la entrada al museo y sus demas dependencias. La cubierta deja un amplio balcón al nuevo parque, y la protección solar de esta fachada se hará mediante lamas verticales que pretenden resaltar la esbeltez del edificio frente a la masa paramétrica de madera con la que conecta.

Hayek Plaza (2) Edificio Swatch (2) Edificio Swatch (1)

esquemaLa construcción paramétrica ligera pretende, por otra parte, expresarse como una piel al tiempo que permite elongaciones de recorridos para conectar con plazas espaciosas. El empleo de una brillante carpintería configura una red de espacios en sombra y, además, sirve para múltiples funciones con la tectónica minimalista: una retícula amplia de cruces de madera alternan con paramentos traslúcidos, permitiendo así que el edificio pase a ser a la vez un eje espacial agradable e icono corporativo de la marca; todo ello a lo largo del futuro Swatch Park.

Aérea (9)Aérea (2) Aérea (12) Aérea (6)esquema (2)Captura de pantalla 2015-02-13 a la(s) 17.00.16

3. Opinión crítica del proyecto.

El éxito del proyecto reside principalmente en el estudio del impacto urbanístico que supondría la idea de rejuvenecimiento de la zona industrial planteada en las premisas del concurso. La belleza con la que el arquitecto japonés crea un nuevo espacio-plaza en la que se trata la barrera arquitectónica del tráfico rodado, con la unión a cota de suelo y en altura mediante puentes del espacio, parece exquisita. Sin duda, este punto en el que convergen tantos flujos de movimiento ha debido ser uno de los principales condicionantes del proyecto, y a priori parece haber sido resuelto con una idea que no sólo sirve al proyecto y al lugar, sino que se conforma como un hito y un marco de referencia urbana.

No sólo la idea puede haber sido el acierto pleno para que el arquitecto ganase el concurso, sino también la elección de la materialidad como objeto secundario de estudio: la madera y su producción, son motores de la economía local y, bajo un entendimiento global de lo que todo un proyecto abarca, también está en el deber del arquitecto contemplar qué ingredientes son los necesarios para una obra maestra. Y, sin duda, reconocer qué puede promover una participación activa local está entre ellos, pues no sólo se está hablando de rentabilidad a nivel constructivo, sino de remarcar precisamente ese recurso  que caracteriza a la ciudad, y por ende, a sus ciudadanos.

Esperaremos con inquietud cuál es el resultado de la propuesta y de si satisface todas esas necesidades y objetivos que pretende abarcar, aunque a pesar de tan excelente forma de concebir el espacio público, también existe una importante inversión económica y laboral que no hace más que ralentizar semejante complejidad constructiva: una realidad que también se ha de tener en cuenta en todo proyecto.

BIBLIOGRAFÍA:

– Bruderlein, Claude; Shigeru Ban: Humanitarian architecture. Aspen : Aspen Art Museum, 2014.

-DeZeen magazine. Headquarters for swatch and omega by shigeru ban. June 2013.

CRÉDITOS FOTOGRÁFICOS:

-http://www.designboom.com/architecture/shigeru-ban-headquarters-for-swatch-production-buildings-for-omega/

-http://www.shigerubanarchitects.com/works/p25_new-swatch-omega/index.html

-https://www.google.es/maps/@47.144159,7.260913,3a,75y,117.82h,81.8t/data=!3m4!1e1!3m2!1svnAR7jaChz7NUohqBvEfig!2e0

WEBS:

-http://www.arquitecturaviva.com/es/Info/News/Details/4779

-http://www.derbund.ch/bern/kanton/150-Millionen-fuer-neue-SwatchHauptsitze/story/30081304#clicked0.09576101767535183

-https://www.linkedin.com/groups/Shigeru-Ban-SwatchOmega-perfect-team-3964093.S.252564383

Jotajotarodriguez: Jorge Jesús Rodríguez Martin

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